Pourquoi comprendre les gammes est la clé de chaque chanson que vous jouez

Une gamme est le réservoir de notes où puise un morceau, écrit dans l’ordre à partir de la note qui sonne comme le point d’appui.

L’air et les accords ci-dessus n’ont en commun ni compositeur, ni siècle, ni genre, et ni l’un ni les autres ne vont chercher une note hors de ces sept-là. Ce n’est pas un hasard propre à ces deux exemples : c’est ce que fait le choix d’une gamme. Il écarte cinq des douze notes disponibles avant qu’une seule mesure soit écrite, et tout ce qui suit — la mélodie, l’harmonie qui la porte, la ligne de basse, le solo — se bâtit avec ce qui reste.

Voilà le premier rendement de l’investissement. Apprenez les sept notes d’une tonalité et vous n’avez pas appris une chose sur ce morceau : vous avez appris d’un coup la matière de toutes ses parties. La mélodie est un chemin à travers le réservoir. Les accords sont des poignées qu’on y prend. Trouvez le réservoir et les deux deviennent lisibles ensemble — c’est pourquoi les musiciens demandent « c’est dans quelle tonalité ? » avant toute autre chose.

C’est aussi pourquoi une gamme mérite d’être comprise plutôt que seulement ressassée. La monter et la descendre forme les doigts, et c’est un vrai bénéfice pour un instrumentiste, mais ce n’est pas celui dont parle cette leçon. Savoir quelles sept notes sont en jeu, et ce que chacune y fait, est ce qui permet d’entendre un morceau au lieu de seulement l’exécuter.

Un accord diatonique est un accord dont chacune des notes est prise dans une seule et même gamme. (aussi appelé accord de la tonalité)

Le tableau ci-dessus est le deuxième rendement de l’investissement, et c’est celui qui surprend. Apprendre les sept notes de do majeur ne vous donne pas une gamme, puis à part une série d’accords à mémoriser. Les accords y étaient déjà. Prenez n’importe quelle note de la gamme, sautez la suivante, prenez celle d’après, sautez encore, prenez celle d’après — trois notes, un accord — et recommencez depuis chacun des sept degrés. C’est là toute la provision d’accords qu’offre la tonalité, et elle est venue avec le réservoir, sans supplément.

Les couleurs viennent avec, elles aussi, et elles ne sont pas arbitraires. Bâtir de cette façon sur les degrés 1, 4 et 5 donne toujours des accords majeurs, sur 2, 3 et 6 toujours des mineurs, et sur 7 un diminué — dans toutes les tonalités majeures, parce que le motif d’écarts de la gamme y est partout le même. Un guitariste qui sait que do majeur produit C, Dm, Em, F, G, Am et B°, pour l’écrire dans le chiffrage des grilles, connaît les sept mêmes formes pour sol majeur et pour mi bémol majeur dès l’instant où il sait épeler ces gammes.

C’est pourquoi « c’est dans quelle tonalité ? » est une question utile et non une pédanterie. La réponse ramène les accords qu’un morceau est susceptible d’employer de plusieurs centaines à sept, avant que personne en ait entendu une note.

Une note chromatique est une note prise hors de la gamme dans laquelle un passage se tient. (aussi appelé note étrangère à la tonalité; altération accidentelle, quand on en parle comme de quelque chose d’écrit sur la page plutôt que d’entendu)

Le troisième rendement est le plus immédiatement pratique, et c’est un négatif : la gamme vous dit ce qu’il ne faut pas jouer. En improvisant sur ces quatre accords, qui sait que le morceau est en do majeur a déjà ramené douze choix à sept, et peut compter sur le fait que chacune des sept ira sur n’importe lequel des accords. Cette assurance, c’est toute la différence entre improviser et deviner, et elle est disponible dès le premier soir, bien avant que le vocabulaire des chapitres soit solide.

Les notes chromatiques ne sont pas des fautes, et c’est justement ce que manquait la vieille opposition entre notes sûres et notes dangereuses. Le blues est bâti en grande partie sur des notes extérieures à la gamme qui le porte ; le jazz aussi, et le refrain d’un très grand nombre de chansons pop. La différence tient au placement. Une note chromatique qui tombe sur un temps fort et s’y installe sonnera comme une erreur ; la même note traversée vite, en route vers une note de la gamme, sonnera comme une couleur.

La règle à retenir n’est donc pas « ne quittez jamais la gamme ». C’est que la quitter doit être une décision, et l’on ne décide pas de quitter ce qu’on ne saurait pas nommer.

La transposition consiste à déplacer un morceau pour qu’il commence sur une autre note, en gardant inchangée chaque distance entre ses notes.

Voici le quatrième rendement, celui qui décide si toute l’entreprise en vaut la peine. Une gamme n’est pas une liste de sept noms à mémoriser douze fois de suite. C’est un motif de distances — deux tons, un demi-ton, trois tons, un demi-ton — et les noms de notes sont ce que ce motif produit quand on le lance quelque part. Apprenez le motif une fois et vous n’avez pas appris do majeur : vous avez appris les douze gammes majeures, et il ne reste que l’orthographe à faire.

C’est pourquoi les trois lignes ci-dessus sonnent comme le même air. Les doigts bougent autrement, les notes imprimées n’ont pas la même allure, l’une des trois a besoin d’un bémol pour que le motif tienne — et l’oreille entend un seul air à trois hauteurs, parce qu’elle écoute les distances et non les noms. C’est aussi pourquoi une chanteuse peut demander à un guitariste de « descendre un peu » et se faire comprendre.

Rapporté à cela, le coût d’apprentissage des gammes est bien moindre qu’il n’y paraît d’abord. L’investissement, c’est un motif pour le majeur et un pour le mineur. Tout le reste — douze tonalités, sept accords dans chacune, un jeu de notes sûres pour chaque morceau sur lequel vous improviserez jamais — est du rendement.